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“Beauvoir, Sartre,Giacometti” Vertiges de l’absoluavec la participation d’Agnès Geoffrayà l’Institut Giacometti, Parisdu 19 juin au 12 octobre 2025Entretien avecÉmilie Bouvard,directrice scientifique et des collections – Fondation Giacometti et commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, 7 juillet 2025, durée 28’29,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/07/17/3635_beauvoir-sartre-giacometti_institut-giacometti/Communiqué de presse Commissaire :Émilie Bouvard, directrice scientifique et des collections, Fondation GiacomettiL’Institut Giacometti présente une exposition inédite consacrée à l’amitié intellectuelle et artistique entre Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre et Alberto Giacometti. Intitulée « Beauvoir, Sartre, Giacometti. Vertiges de l’absolu », cette exposition explore les liens puissants qui unissaient ces trois figures majeures du XXe siècle. À travers une approche à la fois philosophique, littéraire et artistique, l’exposition interroge la quête d’un absolu — dans l’art, dans la pensée, dans la vie.Cette exposition met en lumière une amitié rare, fondée sur une profonde entente intellectuelle, la force des engagements et une certaine idée du travail créateur comme ce qui donne sens à l’existence. En cette période sombre de l’Occupation, Sartre écrit L’Être et le Néant, qui fondera ce que l’on appellera l’existentialisme : c’est l’engagement de l’homme dans son existence qui donne sens à sa vie. Giacometti travaille alors à un complet renouvellement de son travail artistique que le philosophe abordera en 1948 dans un célèbre essai : «La recherche de l’absolu».Entre philosophie, littérature et sculpture, l’exposition s’articule autour d’oeuvres majeures, L’Homme qui chavire (1950), La Main (1947), d’archives inédites, et d’une reconstitution de la « Chambre à soi » de Simone de Beauvoir au 11bis rue Schoelcher, son espace de vie et d’écriture.L’Institut Giacometti propose ici un parcours immersif, conçu pour faire résonner l’art de Giacometti avec les grandes questions posées par Beauvoir et Sartre — et faire dialoguer la pensée avec la création artistique. L’artiste Agnès Geoffray viendra grâce une série de photographies donner corps au vertige, intitulée « La Femme qui chavire » et spécialement conçue pour l’exposition.[...]

“Animal !?” Une exposition de chefs-d’oeuvreau Fonds Hélène & Édouard Leclerc pour la Culture, Landerneaudu 14 juin au 2 novembre 2025Entretien avecChristian Alandete,directeur scientifique à la galerie Mennour et commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 1er juillet 2025, durée 17’28,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/07/10/3634_animal_fonds-helene-edouard-leclerc/Communiqué de presseCommissaire de l’exposition : Christian Alandete, directeur scientifique à la galerie MennourL’exposition thématique et collective Animal!?, conçue par Christian Alandete, commissaire, propose une approche transversale et transhistorique de la place de l’animal dans les représentations artistiques. Probablement l’un des premiers sujets de l’histoire de l’art, l’animal apparaît dès l’art pariétal et traverse les siècles jusqu’à nos jours avec la même importance.La peinture animalière a été un sujet d’excellence de l’art académique. Au tournant du XXe siècle, l’animal devient le vecteur des avant-gardes successives. D’autres artistes y verront des sujets d’étude de nature à révolutionner l’expérience esthétique en s’intéressant – comme les surréalistes – aux espèces hybrides et aux spécimens du règne animal jusque-là rangés dans la catégorie des monstres. À travers ces nouveaux sujets d’observation, c’est aussi l’évolution d’une société plus humaniste qui transparaît, animée par une remise en question complète de la place de l’humain et de celle de l’animal au sein de la communauté du vivant.L’étude de l’animalité à travers les siècles a contribué à hiérarchiser, cataloguer, distinguer l’humain. De la physiognomonie à l’anthropomorphisme, les artistes ont contribué par leurs oeuvres à donner à voir l’autre de l’humain sous un angle différent et à pointer au-delà des différences ce qui nous rassemble.«  Les références populaires qui recourent aux figures animales ne manquent pas. On les retrouve au coeur de nos expressions les plus usuelles toujours dans un jeu, un rapport, de comparaison, d’identification ou de distinction entre l’homme et l’animal. Elles parlent d’eux et de nous, d’eux à travers nous, de nous à travers eux. Mais qui de l’homme ou de l’animal singe l’autre ? C’est tout l’objet de l’incroyable enquête qui se déroule cet été au Fonds Hélène & Édouard Leclerc à travers l’exposition ! » Michel-Edouard LeclercCatalogue de l’exposition aux Éditions FHEL sous la direction scientifique de Christian AlandeteAuteurs (textes inédits) : Michel-Édouard Leclerc / Christian Alandete / Marie-Pierre Bathany / Laurence Bertrand-Dorléac / Martin Bethenod / Mylène Ferrand / Kaoutar Harchi / Nadeije Laneyrie-Dagen / Ovidie / Estelle Zhong-Mengual

“Paul Poiret” La mode est une fêteau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 25 juin 2025 au 11 janvier 2026Entretien avec Marie-Pierre Ribère, attachée de conservation, collections mode et textile et co-commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 24 juin 2025, durée 38’26,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/07/03/3632_paul-poiret_musee-des-arts-decoratifs/Communiqué de presseCommissaire :Marie-Sophie Carron de la Carrière, conservatrice en chef du patrimoine en charge des collections mode et textile 1800-1946Assistée de Marie-Pierre Ribère, attachée de conservation, collections mode et textile#Expo_PoiretLe musée des Arts décoratifs présente sa première grande monographie dédiée à Paul Poiret (1879-1944), figure incontournable de la haute couture parisienne du début du XXe siècle. Considéré comme le libérateur du corps féminin pour l’avoir décorseté, Paul Poiret a rénové la mode. L’exposition « Paul Poiret. La mode est une fête » est une immersion dans l’univers foisonnant du créateur, de la Belle Époque aux Années folles. Elle explore ses créations dans les domaines de la mode, des arts décoratifs, du parfum, de la fête et de la gastronomie. À travers 550 oeuvres (vêtements, accessoires, beaux-arts et arts décoratifs) l’exposition met en lumière l’influence durable de Paul Poiret et révèle l’étendue de son génie créatif. Un voyage fascinant à la rencontre d’un homme dont l’héritage continue d’inspirer les créateurs de mode contemporains, de Christian Dior en 1948 à Alphonse Maitrepierre en 2024. Le commissariat a été confié à Marie-Sophie Carron de la Carrière, conservatrice en chef du patrimoine, la direction artistique à Anette Lenz et la scénographie au Paf atelier.Né à Paris en 1879, Paul Poiret débute sa carrière comme apprenti dans plusieurs maisons de couture. Il se forme aux côtés de Jacques Doucet dès 1898, puis rejoint en 1901 la maison Worth, alors dirigée par les deux fils du fondateur de la haute couture. Dans ces maisons, Poiret observe et assimile les rudiments du métier de couturier : le contact avec les clientes et le travail en équipe. Ces expériences lui confèrent l’impulsion nécessaire pour établir sa propre maison de couture en 1903. Il y définit une nouvelle esthétique du corps féminin, en mouvement et sans carcan, rompant avec la silhouette en S du début du siècle. Sa ligne, simplifiée, est d’une grande modernité. En témoigne la robe du soir Joséphine, chef-d’œuvre de la collection « manifeste » de 1907, d’inspiration Directoire. La taille est remontée sous la poitrine et maintenue à l’intérieur de la robe par un ruban en gros-grain légèrement baleiné. Poiret utilise des tissus légers et emploie des couleurs vives et acides. Sa palette chromatique fait écho à celle du fauvisme, mouvement pictural du début du XXe siècle qu’il apprécie particulièrement.Il a une clientèle aisée et cultivée, avide de nouveautés et s’entoure d’artistes novateurs avec lesquels il collabore et qu’il collectionne (Paul Iribe, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Lepape). Après la Première Guerre mondiale, pendant laquelle il est mobilisé, Poiret retrouve l’inspiration grâce à ses voyages et aux fêtes qu’il organise. Les années 1920 sont marquées par de nombreuses dépenses liées à son train de vie excessif et au développement de ses sociétés (la maison de couture, la maison Martine et les Parfums de Rosine). Il est forcé de vendre sa maison de couture en novembre 1924 et de la quitter définitivement en décembre 1929. [...]

“Nous autres”Donna Gottschalk et Hélène Giannecchini avec Carla WilliamsLE BAL, Parisdu 20 juin au 16 novembre 2025Entretien avecHélène Giannecchini,Docteure en littérature, écrivaine, chercheuse et théoricienne de l’art et co-commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 24 juin 2025, durée 21’44,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/06/27/3631_nous-autres_le-bal/Communiqué de presseCommissariat :Julie Héraut, Responsable Exposition et Recherche chez LE BALHélène Giannecchini, Docteure en littérature, écrivaine, chercheuse et théoricienne de l’artEn janvier 2023, la photographe américaine Donna Gottschalk et l’écrivaine française Hélène Giannecchini se rencontrent pour la première fois. Bien qu’une quarantaine d’années les séparent, une complicité immédiate s’établit, les archives sont explorées, les paroles recueillies. Profondément touchée par la vie et les photographies de Donna, Hélène entreprend de s’en faire l’écho.LE BAL décide alors d’accompagner ce projet à quatre mains avec un dispositif inédit : le récit d’Hélène,conçu telle une balade dans l’espace du BAL, révèle, prolonge et amplifie, au présent, l’œuvre de Donna dont ce sera la première présentation d’ampleur en Europe.En regard, une série d’autoportraits de la photographe et historienne de l’art américaine Carla Williams s’inscrit dans une filiation assumée avec l’oeuvre de Donna et contribue à esquisser une autre histoire de la représentation où l’enjeu n’est pas tant de voir que « d’être vue ».[...]Focus film : I want my people to be remembered – Un film d’Hélène GiannecchiniPrésenté dans l’exposition et réalisé par Hélène Giannecchini, I Want My People to Be Remembered propose une traversée intime et politique des archives personnelles de Donna Gottschalk — photographies, planches-contact, cassettes audio, lettres, journaux. À partir d’entretiens menés par Hélène et de documents inédits, le film retrace le parcours de Donna et de certaines de ses proches. Les voix de Donna, de sa soeur Myla et d’amies comme Jill s’entremêlent, composant un récit choral et fragmentaire, où l’intime rejoint l’histoire collective. Le film restitue une époque – celles d’une génération de femmes queer engagées, précaires et souvent invisibilisées.Publication – Co-édition : Atelier EXB et LE BALPremière monographie consacrée à Donna Gottschalk, « NOUS AUTRES » rassemble une sélection inédite de ses images réalisées entre les années 1960 et 1990. Le parcours de la photographe se déploie en regard du récit complice d’Hélène Giannecchini, la littérature prolongeant le geste photographique. Portraits de proches, scènes de vie militante, lieux du quotidien : l’ouvrage documente une histoire queer, sociale et intime des États-Unis, depuis les toits d’Alphabet City jusqu’aux plages californiennes. L’ensemble est complété par une sélection d’archives ainsi que par des essais inédits de Julie Héraut et Carla Williams. La publication a reçu le soutien à l’édition du Centre national des arts plastiques ainsi que le soutien du Lewis Baltz Research Fund.

“Sara” L’art des papiers déchirésà la BnF François Mitterrand, Parisdu 24 juin au 7 septembre 2025Entretien avecCorinne Bouquin,Ghislaine Chagrot,Clarisse Gadala,chargées de collections en littérature de jeunesse, Centre national de la littérature pour la jeunesse, département Littérature et art, BnF et commissaires de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 23 juin 2025, durée 21’33,© FranceFineArt.Communiqué de pressehttps://francefineart.com/2025/06/27/3630_sara_bnf-francois-mitterrand/Commissariat :Corinne Bouquin, Ghislaine Chagrot, Clarisse Gadala chargées de collections en littérature de jeunesse, Centre national de la littérature pour la jeunesse, département Littérature et art, BnFSpécialiste du papier déchiré, l’autrice et illustratrice Sara (1950 – 2023) a signé une oeuvre visuelle forte au fil de la quarantaine d’albums, le plus souvent sans texte, qu’elle a réalisés. En 2022, elle a donné à la Bibliothèque nationale de France un très bel ensemble d’originaux et de documents préparatoires. L’exposition présentée dans la galerie des Donateurs rend hommage à cette grande figure de la littérature pour la jeunesse, en dévoilant une sélection de plus de 80 planches originales et dessins issus de ce don.« Mes images n’illustrent pas, elles sont le texte. Déchirer du papier, c’est un langage. »Entretien avec J. Kotwica pour La revue des livres pour enfants, avril 2026Alors qu’elle est maquettiste dans la presse dans les années 1970, Sara compose chez elle des tableaux de papiers déchirés avec un art consommé de la mise en page et du cadrage. En 1990, elle fait paraître chez Épigones un premier album sans texte, À travers la ville. Par la suite, fidèle à cette technique du papier déchiré qu’elle manie avec une dextérité considérable et qui lui permet de développer un puissant langage pictural, elle publie entre 1990 et 2018 une quarantaine d’albums chez plus de 16 éditeurs différents. Ses oeuvres ont été récompensées et exposées à de multiples reprises.Le donSara a fait don en 2022 au Centre national de la littérature pour la jeunesse à la BnF de 533 originaux et dessins préparatoires correspondant à 21 de ses albums les plus emblématiques, depuis À travers la ville (1990 ) jusqu’à La Traque (2018). Les études utilisent des techniques mixtes, papiers déchirés, dessins au crayon, au feutre, à l’encre, à la gouache et toutes les planches originales sont réalisées selon la technique des papiers déchirés. Ce don inclut À quai, un petit film de 4 minutes réalisé par Sara et Pierre Volto en 2005, présenté dans l’exposition.[...]

“Wolfgang Tillmans”Rien ne nous y préparaitTout nous y préparaitau Centre Pompidou, Parisdu 13 juin au 22 septembre 2025Entretien avecOlga Frydryszak-Rétat,Matthias Pfaller,Attachés de conservation au cabinet de la photographie, Musée national d’art moderne − Centre Pompidou et commissaires associés de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 17 juin 2025, durée 25’41,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/06/27/3629_wolfgang-tillmans_centre-pompidou/Communiqué de presse CommissariatFlorian Ebner, Conservateur en chef, cabinet de la photographie, Musée national d’art moderne − Centre PompidouCommissaires associésOlga Frydryszak-Rétat, Matthias Pfaller, Attachés de conservation au cabinet de la photographie, Musée national d’art moderne − Centre PompidouDu 13 juin au 22 septembre 2025, le Centre Pompidou donne carte blanche à l’artiste allemand Wolfgang Tillmans qui imagine un projet inédit pour clôturer la programmation du bâtiment parisien. Il investit les 6000 m2 du niveau 2 de la Bibliothèque publique d’information (Bpi) et y opère une transformation de l’espace qui met en dialogue son oeuvre avec la bibliothèque, envisagée à la fois comme architecture et comme lieu de transmission du savoir.L’exposition retrace près de 40 ans de création artistique et embrasse l’ensemble de la pratique de Tillmans. Elle propose une coupe transversale dans son oeuvre photographique, dont l’accrochage ne suit pas une logique chronologique mais s’élabore en dialogue avec l’architecture du lieu. En parallèle, l’artiste y incorpore vidéos, musique, son, ainsi qu’un vaste corpus d’imprimés et d’objets personnels issus de sa propre collection. Jouant avec l’infrastructure de la bibliothèque, il met en lumière les analogies entre son travail et ce lieu particulier de savoir et de diversité sociale. Plus que jamais, Tillmans intervient dans l’espace – un geste caractéristique de ses projets depuis le milieu des années 1990 – transformant les dispositifs existants et imaginant de nouvelles formes de présentation. L’artiste conçoit ainsi une installation globale, qui réinvente la manière dont la photographie est exposée.[...]Le catalogue de l’expositionWolfgang Tillmans Rien ne nous y préparait – Tout nous y préparait, Sous la direction de Florian Ebner et Olga Frydryszak-Rétat – Édition Centre PompidouPublication – Wolfgang Tillmans Textes. Édition française sous la direction de Matthias Pfaller. Édition anglaise originale sous la direction de Roxana Marcoci et Phil Taylor. Édition Centre Pompidou

“Bambou” Du motif à l’objetau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 5 juin au 14 septembre 2025Entretien avec Béatrice Quette, conservatrice, responsable des collections asiatiques et extra-occidentales – MAD, et commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 10 juin 2025, durée 20’58,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/06/17/3628_bambou_musee-des-arts-decoratifs/Communiqué de presse Commissaire :Béatrice Quette, conservatrice, responsable des collections asiatiques et extra-occidentalesassistée de Louise Lartillot, assistante de conservation, bourse de la Fondation du JaponLe musée des Arts décoratifs présente l’exposition-dossier « Bambou. Du motif à l’objet » du 5 juin au 14 septembre 2025 à l’occasion de la 8e édition du Printemps Asiatique. Près de 100 oeuvres issues des collections du musée telles que des katagami (pochoirs), estampes, papiers peints, inrô, tsuba, netsuke, mais aussi des vases, céramiques, ivoires et accessoires du thé qui mettent en valeur le bambou, icône de la flore asiatique. Véritable symbole de résistance et de souplesse, en Chine comme au Japon, la forme caractéristique de son tronc et son feuillage, mais aussi son essence et ses qualités, en font un des matériaux de prédilection. L’exposition déployée au sein du cabinet des Dessins, Papiers peints et Photographies et dans les dernières salles des galeries permanentes consacrées au XIXe siècle est conçue comme un recueil d’ornements et de motifs à travers les oeuvres graphiques qui la constituent.Le commissariat est assuré par Béatrice Quette, conservatrice, responsable des collections asiatiques et extraoccidentales, assistée de Louise Lartillot, assistante de conservation, bourse de la Fondation du Japon.La question du motif est centrale au sein de ce parcours. De la forêt au focus sur les feuilles et les nœuds des branches, une infinité de possibles se dessine à travers la diversité des pièces présentées.Une sélection d’images et d’objets illustrent l’utilisation du bambou pour réaliser des nasses pour la pêche, mais aussi des paniers dont les formes ont inspiré la création de vanneries en lien avec les arts floraux et les cérémonies du thé. Matériau peu coûteux, résistant et souple, le bambou est très utilisé comme élément architectural, mais aussi comme une simple plante dans les jardins.Le bambou a plusieurs significations et symboliques selon les contextes, tant par sa forme et sa structure que par ses qualités de légèreté et de force. Par sa structure unique construite autour du vide, le bambou est intimement lié au bouddhisme zen, mais aussi aux pratiques du thé. Associé au pin et au prunier en fleurs, le bambou évoque en Chine comme au Japon, certaines qualités de l’homme éduqué et lettré. Lorsque le bambou est associé à la neige, la glycine et les oiseaux, il symbolise les saisons de l’hiver et du printemps.Les forêts de bambou sont à la fois des lieux de retraite pour les Sept Sages chinois, et le lieu de vie du tigre. Enfin, le bambou, à travers ses pousses tendres et craquantes, qui sont récoltées au printemps, participe aux saveurs de la cuisine de l’Extrême-Orient.Toutes ses qualités et ses symboliques font également de cette graminée une forme de prédilection transposée en porcelaine, métal, ivoire, émaux cloisonnés, mais aussi utilisée pour réaliser des accessoires de la cérémonie du thé que l’on peut admirer dans la quatrième partie de l’exposition.[...]

“Ilanit Illouz” Au bord du Volcanà la Maison Européenne de la Photographie, Parisdu 4 juin au 24 août 2025Entretien avec Ilanit Illouz,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 3 juin 2025, durée 24’46,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/06/04/3626_ilanit-illouz_maison-europeenne-de-la-photographie/Communiqué de presse Commissaire : Clothilde Morette, MEPChargée de production : Élisa Monteillet, MEPLe Studio accueille, du 04 juin au 24 août, le dernier projet photographique de l’artiste Ilanit Illouz réalisé aux abords du volcan, toujours en activité, de l’Etna en Italie.L’exposition Au bord du Volcan a été pensée comme « un récit construit autour d’une grotte en Sicile », pour reprendre les mots de l’artiste. Cette cavité, résultat d’une coulée de lave qui s’est solidifiée, présente de spectaculaires strates comme preuve de cette fusion. Dans les photographies d’Ilanit Illouz, cet agrégat de roches devient un paysage sans fin où les repères d’échelles semblent estompés afin de mieux plonger dans sa matière. Nous parcourons ces fragments de minéraux comme nous parcourons une énigme, essayant de déchiffrer leurs formes comme autant d’indices. Et c’est presque inéluctablement que, à l’instar des volcanologues Maurice et Katia Krafft, nous projetons sur ces amas de granits, un corps ou plutôt des corps – souvent fantastiques – qui semblent entremêlés aussi bien des squelettes d’humains et d’animaux, que des motifs végétaux.Ilanit Illouz capte la vie qui palpite au seuil de ces roches, celle du mouvement de la lave qui un jour les a modelé, mais également la singularité d’un lieu où « se livre un mystère plus lent, plus vaste et plus grave que le destin d’une espèce passagère »1, mettant en regard deux temporalités : la nôtre et celle de ces pierres immuables. Afin de rendre palpable ces mutations, Ilanit Illouz a cristallisé ses tirages à l’aide de cendres et de sel rapportés de ses précédents voyages. Ce rapport quasi alchimique à la matière se retrouve dans les procédés même de la photographie, à savoir la transmutation de substances en une image.1. Roger Caillois, Pierres, ed. Gallimard, 1966#IlanitIllouz #StudioMEP

“Mondes en commun, Poursuivre l’inventaire d’Albert Kahn”Festival de Photographie Contemporaine,au musée départemental Albert-Kahn, Boulogne-Billancourtdu 17 mai au 7 septembre 2025Entretien avec Nathalie Doury, Directrice du musée départemental Albert-Kahn,par Anne-Frédérique Fer, à Boulogne-Billancourt, le 19 mai 2025, durée 34’31,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/05/22/3625_mondes-en-commun_musee-departemental-albert-kahn/Communiqué de presse Directrice du musée départemental Albert-Kahn : Nathalie DouryCommissariat : Clément Poché, assisté de Lysa le BrièreDirection artistique : Florence DrouhetOrganisé en partenariat avec l’Association des Amis du musée, ce rendez-vous lancé en 2024 par le musée départemental Albert-Kahn est dédié à la photographie contemporaine. La deuxième édition du festival permettra au public de découvrir les séries d’oeuvres de 10 artistes, exposées dans le jardin du musée à Boulogne-Billancourt. La soirée d’ouverture aura lieu lors de la Nuit Européenne des Musées samedi 17 mai 2025.Des costumes traditionnels bretons aux habitants des villes d’Amazonie, des vues du Soudan aux portraits d’épouvantails britanniques ou de vaches européennes, les séries sélectionnées déclinent un inventaire photographique du monde cher à l’inventeur des Archives de la Planète, le banquier et philanthrope Albert Kahn (1860-1940).Le festival Mondes en commun ; poursuivre l’inventaire, propose des passerelles entre les collections historiques du musée et la création photographique contemporaine. Il s’agit de réactiver l’oeuvre d’Albert Kahn en montrant sa pertinence au regard des enjeux du monde d’aujourd’hui.La thématique du festival – l’inventaire visuel du monde – propose une relecture de la collection de photographie et de films des Archives de la Planète ; ce projet démesurément ambitieux de dresser, selon la formule d’Albert Kahn « un vaste inventaire photographique de la surface du globe occupée et aménagée par l’homme, telle qu’elle se présente au début du XXe siècle ». Les inventaires se déclinent également en lien avec les collections végétales de l’établissement autour de thématiques liées au vivant : faune, flore, biodiversité́, etc.Le festival donne à voir des travaux photographiques ayant pour objectif de représenter méthodiquement le réel dans toute sa diversité́, du proche au lointain, du « macro » au « micro », du vivant à l’inanimé́. Pensé en lien avec les collections du musée, ce rendez-vous en aborde les thèmes centraux tels que la géographie humaine, la diversité culturelle et celle du vivant, les traditions populaires ou le patrimoine naturel et architectural.Les propositions photographiques ont été sélectionnées par un jury composé de représentants du musée et de l’association des Amis, ainsi que de personnalités qualifiées du monde de la photographie.Un pays est plus particulièrement mis à l’honneur chaque année : en 2025, à l’occasion de la Saison Croisée Brésil-France, deux photographes brésiliens sont ainsi présentés dans la sélection.Le festival propose 10 accrochages photographiques d’une dizaine de tirages chacun qui se déploient sur l’ensemble du site, principalement en extérieur. Différents lieux, formats et accrochages, pensés sur mesure pour chaque série, permettent d’interpréter ces images par des regroupements ou des confrontations et de les faire dialoguer avec le jardin.Il s’agit également de proposer un nouveau rapport au musée, en investissant certains espaces intérieurs et les détours du jardin, tout en préservant l’intégrité des scènes paysagères.[...]