Cinecdotario

Todos heredamos algo. Algunos heredamos una casa, otros una fotografía, un apellido, una enfermedad, una deuda, una forma de mirar al mundo, pero hay personas que heredan algo mucho más difícil de cargar. Preguntas, preguntas no resueltas, vacíos, silencios, ausencias y quizá no exista herencia más pesada que aquella que está construida sobre aquello que nunca nos fue contado.Bienvenidos y bienvenidas al Cinecdotario, el podcast donde el cine no solamente se ve, se recuerda, se cuestiona y a veces se convierte en una excavación arqueológica de nuestra propia memoria. Yo soy Penny Lane y hoy hablaremos de una de las películas más delicadas, personales y emocionalmente complejas del cine europeo reciente, Romería, la nueva película de Carla Simón y que vuelve a explorar una pregunta que parece acompañar a toda su obra, cómo se vive cuando una parte de nuestra historia nos fue arrebatada. Pues bien, Romería es una obra profundamente íntima y delicada, una película que se adentra en esta memoria familiar, en los silencios heredados, en la necesidad de reconstruir el pasado, un pasado que nunca se conoció del todo.

Primero fueron 28 días, después fueron 28 semanas, luego fueron 28 años, y ahora ya no estamos viendo el colapso de una civilización, estamos viendo lo que nació después de ella, porque existe una diferencia enorme entre sobrevivir al mundo y construir uno nuevo sobre sus ruinas. Bienvenidos al Cine Ecdotario, el podcast donde el cine no solamente se mira, se interpreta, se cuestiona, se convierte en una conversación sobre quiénes somos. Yo soy Penny Lane y hoy regresamos a uno de los universos más fascinantes que ha construido el cine contemporáneo, un universo que comenzó en 2002 con la dirección de Danny Boyle, que continuó expandiéndose durante más de dos décadas y que hoy abre una nueva puerta con Exterminio, el templo de los huesos, una película dirigida por Nia da Costa, una cineasta que quizá no ha tenido la suerte comercial que merece, pero cuya sensibilidad para el terror y la construcción de comunidades fracturadas resulta particularmente interesante, porque si algo entendió da Costa desde Candyman es que el horror rara vez nace del monstruo, el horror nace de las personas, de los relatos que construyen, de las mentiras que deciden creer, de las heridas que quizá se niegan a sanar y precisamente de eso trata esta película, no de zombis, no de infectados, no de persecuciones, aunque hay muchas más, no de sangre, aunque también la hay, sino de algo mucho más inquietante, la necesidad humana de encontrar sentido cuando todo lo demás desaparece.

Hoy vamos a hablar de uno de los pocos cineastas vivos cuyo nombre se ha convertido ya en un adjetivo, porque existe el cine de autor, sí, existe el cine comercial o mainstream, existe el cine independiente y luego existe algo que podríamos llamar simplemente el cine almodovariano. Un universo reconocible desde el primer plano, desde el primer rojo intenso, desde la primera mujer que entra en escena cargando un dolor imposible de explicar, desde la primera canción que parece surgir de un recuerdo.Pero Almodovar no es solamente un director español, es uno de los autores más importantes de los últimos 40 años. Un cineasta capaz de transformar melodramas en tragedias contemporáneos, capaz de convertir apartamentos madrileños en escenarios operísticos, capaz de hacer que una madre, una actriz, una cantante o una amante abandonada se conviertan en heroínas universales. Y hoy vamos a recorrer toda su trayectoria para entender cómo llegó hasta Amarga Navidad, una de sus películas más personales, más reflexivas y posiblemente una de las más autobiográficas, recientemente estrenada en la Semana del Cine Español en México y también en cines.Una película donde el cineasta mira hacia atrás, hacia su carrera, hacia sus obsesiones, hacia sus fantasmas y hacia sí mismo, porque Amarga Navidad no es solamente una película, en realidad es un espejo del director. Y dentro de este espejo encontramos a Pedro Almodóvar observando 40 años de su cine, de su trayectoria, de su estilo, de sus subidas, de sus bajadas, de sus amores.

Tim Burton, la muerte, el miedo y los cuentos oscuros que nunca nos han abandonado. Hay películas que pertenecen al terror, otras al misterio y otras a este extraño lugar donde los cuentos, la muerte y la fantasía se mezclan hasta convertirse en algo profundamente melancólico. Hoy en el Cinecdotario vamos a hablar de una película que con los años dejó de ser solamente entretenimiento gótico para convertirse en un clásico moderno del cine fantástico.Estoy hablando de Sleepy Hollow o como la conocimos en México y Latinoamérica, La Leyenda del Jinete sin Cabeza. Una película dirigida por el ya afamado director Tim Burton. Una película que mezcla el horror gótico, el misterio detectivesco, un romance oscuro, la superstición, incluso un trauma infantil y por qué no, el fantasma literalmente decapitado.Pero sobre todo una película que presenta perfectamente el universo emocional y visual de Tim Burton.

 El café, la culpa y las personas que intentan empezar otra vez. Hay películas que necesitan grandes tragedias para convencernos, para conmovernos. Hay otras que entienden que la vida cotidiana ya es lo suficientemente difícil.Hoy en el Cinecdotario vamos a hablar de una película mexicana, pequeña, cálida, pero profundamente humana. Café Chairel. Una historia sobre dos personas rotas.Dos personas que no saben exactamente qué hacer con sus propias vidas, con su existencia, con su historia, con lo que cargan, y que de algún modo terminan encontrándose en un lugar relativamente inesperado. Una cafetería. Pero Café Chairel no es realmente una película sobre café.Es una película sobre la soledad, sobre las personas solitarias, sobre el remordimiento, sobre el deseo de reparar el pasado y esa sensación adulta de intentar seguir adelante aunque no tengamos mucha claridad de cómo.

La memoria del cuerpo y las mujeres que sostienen la vida. Hay películas que hablan sobre la vida y hay películas que entienden cómo comienza. Hoy en el Cinecdotario vamos a hablar de un documental profundamente sensible, íntimo y también muy necesario.Su nombre es Sinahal, Señora de los partos. Una película mexicana de apenas una hora 17 minutos que logra algo extraordinario. Mirar el parto no como un procedimiento médico sino como un acto espiritual, comunitario y profundamente femenino.Iniciamos.

Hoy vamos a sumergirnos en uno de los festivales más importantes de América Latina, un espacio donde el cine no sólo se proyecta, sino se transforma en industria, en discurso y en identidad.Hablamos de la 41ª edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, un festival que no sólo ha resistido al paso del tiempo, sino que ha sabido evolucionar con él. Durante este episodio vamos a recorrer qué es realmente el FIC, por qué lleva más de cuatro décadas vigente, cómo se estructura la selección, la competencia, la industria y cuál es su papel en el cine iberoamericano. Y, por supuesto, algunas de las películas provocadoras de esta edición.Para mí, en esta ocasión, este episodio no es una crónica, es un registro, una bitácora de lo que ocurre cuando dejas de ver un festival desde la butaca y empiezas a habitarlo desde adentro. Este año estuve en esta edición del festival no sólo como espectadora, sino como parte de los espacios donde se decide, se discuta y se filtra el cine que después llega a las pantallas. Y hay algo que entendí muy rápido. El festival que vemos no es el mismo que se construye.

El deseo no es lo que tenemos, es lo que nos falta. Hay películas que narran acontecimientos y hay otras que narran la imposibilidad de tales acontecimientos. In the mood of love o deseando amar, no se narra una historia de amor, se narra la arquitectura de la ausencia.Porque el deseo no nace del encuentro, nace la distancia, no se elimina al contacto, se sostiene en la imposibilidad de dicho tacto. El enamorado no desea al otro, desea el signo del otro, ya que el signo del otro nunca se consuma.