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“Jean-Michel André” Chambre 207à la galerie Sit Down, Parisdu 7 mars au 10 mai 2025Entretien avec Jean-Michel André,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 20 février 2025, durée 19’05,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/03/06/3597_jean-michel-andre_galerie-sit-down/Communiqué de presse Après avoir été présentée au Musée de l’Hospice Comtesse à Lille, dans le cadre de l’exposition hors-les-murs de l’Institut pour la Photographie, la galerie Sit Down a le plaisir de dévoiler une sélection de photographies issues du livre Chambre 207, publié aux éditions Actes Sud et honoré du prestigieux prix Nadar-Gens d’image 2024.“La chambre des enfants était la 207 : j’y ai laissé ma mémoire et mon enfance.“Avec Chambre 207, Jean-Michel André poursuit une démarche photographique mêlant politique et poésie, interrogeant les frontières, la mémoire et les mutations du territoire. Ce projet questionne des thèmes universels tels que l’absence, le manque et la quête de réparation, qui traversent l’ensemble de son oeuvre. Inscrit dans une veine autofictionnelle, ce travail s’appuie sur une mémoire réinventée, née d’un profond traumatisme d’enfance. Dans cette série inédite, le photographe replonge dans les souvenirs de cette nuit qui a bouleversé sa vie et dans la mémoire disparue de son père. Chambre 207 prend la forme d’un récit visuel, oscillant entre “reconstitution et reconstruction“ comme le décrit l’historien de la photographie Clément Chéroux.A contrario de l’expérience muséographique adressée aux visiteurs du musée de l’Hospice Comtesse de Lille, la Galerie Sit Down entend offrir une proposition différente où la reconstruction occupe une large place. Dans une moindre mesure, un dialogue entre images familiales, éléments d’enquête et tirages photographiques persiste encore. Néanmoins, l’objectif central réside ici dans l’exaltation de la démarche réparatrice de l’artiste à travers le médium photographique. Interagissent ainsi des images d’Avignon et de la région d’Arles, sur les lieux du drame et de l’enquête judiciaire, ainsi que d’autres sites empreints d’une résonance intime : la Corse, le Sénégal ou encore l’Allemagne.Dans ces images délicates et oniriques, les oiseaux occupent une place symbolique majeure. Ils incarnent pour l’artiste “l’élévation, la liberté et le voyage“. Chambre 207 se veut ainsi une invitation au voyage, un cheminement visuel et poétique à travers lequel Jean-Michel André tente de “conjurer le traumatisme pour aller vers la lumière“. La subtilité et la retenue caractérisent les photographies, qui vibrent d’une poésie discrète, loin de tout pathos. Fidèle à son approche délicate, Jean-Michel André confie : “Je travaille sur les lisières, sur le fil, tel un funambule qui avance en essayant de ne pas chuter, de rester concentré.“Cette exposition coproduite par l’Institut pour la photographie et le Centre Méditerranéen de la photographie, repose sur le pouvoir du symbole, permettant de relater avec pudeur l’événement tragique qui a bouleversé la vie de l’artiste. [...]

“Est-ce un Delacroix ?” L’art de la copieau Musée national Eugène Delacroix, Parisdu 22 février au 23 juin 2025Entretien avec Claire Bessède, conservatrice générale du patrimoine, directrice du musée Delacroix, et commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 20 février 2025, durée 28’32,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/02/26/3596_est-ce-un-delacroix_musee-national-eugene-delacroix/Communiqué de presse Commissariat : Claire Bessède, conservatrice générale du patrimoine, directrice du musée DelacroixComment percer les secrets du processus créatif d’Eugène Delacroix ?Le musée Delacroix présente un nouvel accrochage permettant d’explorer les étapes de la création et de s’interroger sur le statut d’un tableau, d’un original, d’une copie ou d’une reproduction.Le parcours propose aux visiteurs de (re)découvrir la collection du musée dans l’appartement et dans l’atelier de l’artiste sous un nouvel angle grâce à la présentation d’œuvres du musée rarement exposées.Dans la chambre du peintre, des œuvres réunies autour du titre « Delacroix ? Les apparences sont parfois trompeuses » posent les premières questions : est-il toujours aisé de déterminer qui est l’auteur d’une œuvre ? Un tableau peint par Delacroix (1798-1863) pour le compte de Théodore Géricault (1791-1824) est-il véritablement un Delacroix ? Qui est l’auteur d’une copie ou d’une gravure de reproduction ? La signature est-elle un gage d’authenticité ?Au salon, « D’après Delacroix » réunit des copies d’auteurs comme Henri Fantin-Latour (1836-1904), Théodore Chassériau (1819-1856) ou William Bouguereau (1825-1905) d’après des œuvres de Delacroix, autour de Médée, Femmes d’Alger dans leur appartement et La Mort de Sardanapale. Il s’agit non seulement de réévaluer l’intérêt de la copie dans l’apprentissage des artistes au XIXe siècle (comme l’écrivait Delacroix dans son journal : « COPIES, COPIER. Ç’a été l’éducation de presque tous les grands maîtres. ») mais aussi de mettre en valeur les liens entre les artistes.En miroir, dans la salle-à-manger le visiteur peut se pencher sur Delacroix non plus copié mais copiste, d’après Paul Rubens (1577-1640) et Francisco de Goya (1746-1828), qu’il admirait particulièrement, mais aussi des objets. Ses « copies » sont souvent des réinterprétations qui nous apprennent beaucoup sur ses centres d’intérêt.Enfin, l’accrochage de l’atelier de Delacroix cherche à replacer les œuvres dans le processus de leur création et de leur diffusion au milieu du XIXe siècle : croquis, études d’après des modèles, esquisses préparatoires, tableaux achevés destinés au Salon ou bien aux marchands ou aux amateurs.Eugène Delacroix travaillait essentiellement dans son atelier. Il trouvait son inspiration dans ses propres œuvres dessinées ou peintes, dans les copies et estampes d’après les maîtres qu’il conservait mais aussi dans sa mémoire et son imagination.“En peinture, une belle indication, un croquis d’un grand sentiment, peuvent égaler les productions les plus achevées pour l’expression” Journal d’Eugène Delacroix, 4 avril 1854.Cette nouvelle présentation des collections s’accompagne d’ateliers, de conférences, de visites guidées, d’événements et de promenades dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés.#DelacroixCopie

“Geneviève Asse” Carnetsà la BnF François Mitterrand, Parisdu 18 février au 25 mai 2025Entretien avec Pauline Chougnet et Cécile Pocheau-Lesteven, conservatrices au département des Estampes et de la photographie – BnF, et commissaires de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 17 février 2025, durée 25’15,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/02/26/3595_genvieve-asse_bnf-francois-mitterrand/Communiqué de presseCommissariat :Pauline Chougnet et Cécile Pocheau-Lesteven, Conservatrices au département des Estampes et de la photographie, BnFLa Bibliothèque nationale de France rend hommage à Geneviève Asse avec une exposition réalisée grâce à la donation de vingt-cinq de ses carnets, consentie en 2022 par sa veuve Silvia Baron Supervielle. Présentés en résonance avec une sélection de ses estampes et de ses livres d’artistes déjà présents dans les collections, ces carnets sont aussi des oeuvres à part entière, qui témoignent du travail intime et des recherches picturales de Geneviève Asse.« Ce sont de petits livres de poche peints, sans texte, sur des papiers de toutes sortes. C’est une autre écriture : un langage de couleur et d’espace. J’y peins des verticales et des horizontales. J’écris alors sans inciser. Ce sont des notes, jour après jour, des éventails qui s’ouvrent. J’utilise de l’encre de Chine, sur ces carnets, ou des crayons de couleur, des sanguines. » Geneviève Asse. La Pointe de l’oeil, Éditions de la BnF, 2022Née en 1923 à Vannes et décédée en 2021 à Paris, la peintre et graveuse Geneviève Asse est connue pour ses grandes toiles monochromes et son utilisation presque exclusive de la couleur bleue, ce bleu si singulier qu’il est appelé « bleu Asse ». Des natures mortes de ses débuts dans les années 1940 à l’abstraction de ses toiles bleues, l’oeuvre qu’elle a développé en dehors des courants et des modes questionne le thème de la lumière. Elle crée également, dès les années 1960, des livres en dialogue avec les écrivains, notamment Pierre Lecuire, Yves Bonnefoy et Silvia Baron Supervielle.

“Au fil de l’or” L’art de se vêtir de l’orient au soleil-levantau musée du quai Branly – Jacques Chirac, Parisdu 11 février au 6 juillet 2025Entretien avec Magali An Berthon, professeure assistante en Fashion Studies, American University of Paris et membre associée, Centre for Textile Research, Université de Copenhague (Danemark), et co-commissaires de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 10 février 2025, durée 17’54,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/02/14/3593_au-fil-de-l-or_musee-du-quai-branly-jacques-chirac/Communiqué de presseCommissariat :Hana Al Banna – Chidiac, ancienne responsable de l’unité patrimoniale Afrique du Nord et Proche-Orient, musée du quai Branly – Jacques Chirac (Paris)Magali An Berthon, professeure assistante en Fashion Studies, American University of Paris et membre associée, Centre for Textile Research, Université de Copenhague (Danemark)L’exposition est organisée par le musée du quai Branly – Jacques Chirac avec la précieuse collaboration de la créatrice de mode chinoise Guo Pei.Du Maghreb au Japon, en passant par les pays du Moyen-Orient, l’Inde et la Chine, l’exposition retrace l’histoire millénaire de l’or dans les arts textiles. Une histoire fascinante où se marient création artistique, savoir-faire traditionnels et inventions techniques. Dès le cinquième millénaire avant notre ère, l’or agrémente les premières étoffes de luxe dédiées aux hommes de pouvoir. Au cours des siècles suivants, des tisserands et artisans chevronnés – romains, byzantins, chinois, perses puis musulmans – déploient les techniques les plus ingénieuses pour réaliser de véritables tissus d’art où les fibres de soie ou de lin s’entrelacent aux lames et filés d’or. Des premiers ornements cousus sur les vêtements des défunts aux robes flamboyantes de la créatrice de mode chinoise Guo Pei, des caftans brochés d’or du Maghreb et d’Orient et des soieries des mondes indien et indonésien aux kimonos scintillants de l’ère Edo, l’exposition propose une traversée au fil de l’or en deux sections historiques et techniques et cinq sections correspondant à cinq grandes aires géographiques et culturelles.Costumes de lumière des pays du soleil couchantLes costumes présentés dans cette première section géographique – manteau (caftan), tunique, pantalon, gilet – témoignent du métissage culturel qui marque les pays du Maghreb (Maroc, Algérie, Tunisie). Le goût du faste caractérise très tôt cette région. Au 10e siècle, la ville de Mahdia, en Tunisie, est réputée pour ses étoffes tissées d’or et de soie. Deux siècles plus tard, sous la dynastie des Almohades, des soieries brochées d’or sont réalisées dans les ateliers de Marrakech, au Maroc mais aussi à Malaga et à Alméria en Andalousie. Après la chute de Grenade en 1492, les pays d’Afrique du Nord accueillent de nombreux exilés andalous, juifs et musulmans, qui apportent de nouvelles modes vestimentaires mais aussi de nouvelles techniques de tissage et de broderie aux fils d’or. À partir du 16e siècle, l’expansion de l’Empire ottoman marque les costumes citadins de cette région qui s’inspirent de modèles venus de Turquie.[...]

“Objets en question” Archéologie, ethnologie, avant-gardeau musée du quai Branly – Jacques Chirac, Parisdu 11 février au 22 juin 2025PODCAST –  Entretien avec :Alexandre Farnoux, Professeur d’archéologie et d’histoire de l’art grec à Sorbonne Université,Polina Kosmadaki, Conservatrice d’art moderne et contemporain et Conservatrice en chef du Département des Peintures au musée Benaki d’Athènes,Philippe Peltier, Conservateur général du patrimoine, ancien responsable de l’Unité patrimoniale Océanie-Insulinde au musée du quai Branly – Jacques Chirac,et Effie Rentzou, Professeure de littérature française à Princeton University, commissaires de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 10 février 2025, durée 24’03,© FranceFineArt.Communiqué de presse CommissariatAlexandre Farnoux, Professeur d’archéologie et d’histoire de l’art grec à Sorbonne UniversitéPolina Kosmadaki, Conservatrice d’art moderne et contemporain et Conservatrice en chef du Département des Peintures au musée Benaki d’AthènesPhilippe Peltier, Conservateur général du patrimoine, ancien responsable de l’Unité patrimoniale Océanie-Insulinde au musée du quai Branly – Jacques ChiracEffie Rentzou, Professeure de littérature française à Princeton UniversityLe commissariat de l’exposition a été conçu en partenariat scientifique avec le musée Benaki d’Athènes et l’École française d’Athènes. Avec le soutien de la Fondation Marc Ladreit de Lacharrière.Qu’est-ce qu’un objet d’art ? Qu’en dire ? Comment le présenter ? Objets en question présente le dialogue fertile et dynamique entre recherche scientifique et art d’avant-garde autour de ces questions pendant la période de l’entre-deux guerres en France.En présentant des oeuvres d’art, des notes, des croquis, des publications, l’exposition évoque cette approche expérimentale et rend compte des croisements entre archéologie, ethnologie, anthropologie et pratique artistique, en mettant l’accent sur le surréalisme.À partir des années 1930, plusieurs revues liées aux avant-gardes artistiques sont les supports d’une nouvelle dynamique. Cahiers d’art (1926-1965), Minotaure (1933-1939) et Documents (1929-1930) en particulier, créent un décloisonnement sans précédent des disciplines en mettant en dialogue des reproductions photographiques d’oeuvres antiques, modernes et extraeuropéennes. Galeries, musées, collections accompagnent ce mouvement. Cette mise en regard inédite soustrait oeuvres et objets à l’autorité de l’histoire de l’art classique, tout en en faisant naître des nouveaux sens.Parmi les collaborateurs et intervenants de ces revues, Pablo Picasso, Georges Henri et Thérèse Rivière, André Breton, Michel Leiris, Charles Ratton, Joan Miró, Brassaï, Claude Cahun ou encore Georges Bataille, aux côtés d’archéologues, d’ethnologues et de conservateurs de musées ou galeristes, partagent une curiosité commune pour l’art appartenant à un passé lointain, l’art non-occidental, mais aussi pour l’art populaire et l’art du quotidien. Leur approche expérimentale donne naissance à une nouvelle perception des objets, des lieux, des époques. Ils interrogent le concept même de musée en posant ces questions fondamentales : Qu’est-ce que l’objet ? Qu’est-ce que l’art ?Composée de quatre sections thématiques, conçues comme des constellations où oeuvres et archives manuscrites dessinent une figure et produisent du sens, l’exposition crée des interactions, parfois dissonantes, entre univers et cultures différents.

“Paysages mouvants” Festival des nouvelles images #2au Jeu de Paume, Parisdu 7 février au 23 mars 2025Entretien avec Jeanne Mercier, critique, co-fondatrice de Afrique In Visu, et commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 4 février 2025, durée 21’23,© FranceFineArt.Communiqué de presse Commissaire d’exposition : Jeanne MercierDirectrice artistique : Loo Hui PhangScénographie : Atelier 1-1Graphisme : Studio PLastacAprès « Fata Morgana » en 2022, le Jeu de Paume dévoile la deuxième édition de son festival dédié aux métamorphoses de l’image contemporaine, mêlant une exposition, des performances, des projections, des soirées, des ateliers avec les artistes et un livre.« Paysages mouvants », présenté du 7 février au 23 mars 2025, est pensé comme un récit collectif qui déroule une histoire des représentations des environnements naturels et des imaginaires qui les convoquent.La commissaire, Jeanne Mercier a invité la scénariste Loo Hui Phang à collaborer sous la forme d’une voix qui, à travers une narration, parcourt les oeuvres de 15 artistes de la scène artistique actuelle, pour la plupart inédites car spécialement produites pour cet événement. Chaque projet se saisit des espaces naturels aux prises avec des stéréotypes – la jungle, l’oasis, le ciel, le désert, la forêt… – pour en proposer un nouvel imaginaire.Le festival, qui dévoile pas à pas une histoire sensorielle et intime de notre rapport au monde, se veut également un espace de réflexion sur les enjeux contemporains, les oeuvres entrant en résonance avec les questions environnementales mais aussi d’identité ou de flux migratoires. Conçue comme une expérience immersive et interactive, cette nouvelle édition du festival offre au public une fresque artistique où les mondes de la photographie, de la littérature et des sciences se rencontrent et se transforment : le paysage devient alors un territoire vivant et en perpétuel mouvement.[...]

“Apocalypse” Hier et demainà la BnF François Mitterrand, Parisdu 4 février au 8 juin 2025Entretien avec Jeanne Brun, directrice adjointe du Musée national d’Art moderne - Centre Pompidou - en charge des collections, et commissaire générale de l’exposition, par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 3 février 2025, durée 15’48, © FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/02/07/3589_apocalypse_bnf-francois-mitterrand/Communiqué de presse Commissariat généralJeanne Brun, directrice adjointe du Musée national d’Art moderne – Centre Pompidou en charge des collections, avec la collaboration de Pauline Créteur, chargée de recherche auprès de la directrice adjointe du Musée national d’Art moderne – Centre PompidouCommissariatFrançois Angelier, journaliste et essayisteCharlotte Denoël, cheffe du service des Manuscrits médiévaux et de la Renaissance, département des Manuscrits, BnFLucie Mailland, cheffe du service Philosophie, religion, département Philosophie, histoire, sciences de l’homme, BnFLa Bibliothèque nationale de France propose la première grande exposition consacrée à l’apocalypse. L’apocalypse ? Un mot obscur, qui fait peur, un mot qui parle de la fin du monde. Il n’en finit pas de résonner depuis deux mille ans dans notre culture et nos sociétés occidentales quand survient une catastrophe majeure, et aujourd’hui encore, en fond de nos angoisses climatiques. Et pourtant… L’étymologie de ce mot d’origine grecque signifie révélation, dévoilement, une signification reprise par les chrétiens. Dans le livre de l’Apocalypse qui clôt le Nouveau Testament, saint Jean parle d’un voile se levant sur le royaume intemporel qui réunira les croyants dans la Jérusalem céleste. Un mot porteur d’espoir, fait pour déjouer nos peurs profondes ?Du Moyen Âge à notre époque, l’exposition traverse cet imaginaire en montrant certains des plus prestigieux manuscrits de l’Apocalypse de Jean, des fragments rarement présentés de la célèbre tenture d’Angers, et la fameuse suite de gravures de Dürer consacrées au texte, mais aussi de nombreux chefs-d’oeuvre, peintures, sculptures, photographies, installations, livres rares, extraits de films, venant des collections de la Bibliothèque comme des plus grandes collections françaises et européennes, publiques et privées (Centre Pompidou, musée d’Orsay, British Museum, Victoria and Albert Museum, etc.).Parmi ces quelque 300 pièces, des oeuvres de William Blake, Odilon Redon, Vassily Kandinsky, Ludwig Meidner, Natalia Gontcharova, Otto Dix, Antonin Artaud, Unica Zürn, jusqu’à Kiki Smith, Tacita Dean, Miriam Cahn et Anne Imhof.[...]

“Revoir Cimabue” Aux origines de la peinture italienneau Louvre, Parisdu 26 janvier au 12 mai 2025Entretien avec Thomas Bohl, conservateur au département des Peintures – musée du Louvre, et commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 21 janvier 2025, durée 13’45,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/01/25/3587_revoir-cimabue_louvre/Communiqué de presseCommissariat :Thomas Bohl, conservateur au département des Peintures, musée du LouvreLes années 1280-1290 furent le témoin d’un moment fondamental, révolutionnaire même, dans l’histoire de la peinture occidentale : pour la première fois, un peintre cherche à représenter dans ses oeuvres le monde, les objets et les corps qui l’entourent tels qu’ils existent. Cet artiste visionnaire, dont nous ne savons presque rien et dont seule une quinzaine d’oeuvres nous sont parvenues, c’est Cimabue (Florence, vers 1240 – Pise ?, 1301/ 1302).La première exposition à lui être consacrée est le fruit de deux actualités de grande importance pour le musée du Louvre : la restauration de la Maestà, souvent qualifiée « d’acte de naissance de la peinture occidentale » et l’acquisition en 2023 de La Dérision du Christ, un panneau inédit de Cimabue redécouvert en France chez des particuliers en 2019 et classé Trésor National.Ces deux tableaux, dont la restauration s’est achevée fin 2024, constituent le point de départ de cette exposition, qui, en réunissant une quarantaine d’oeuvres, ambitionne de mettre en lumière l’extraordinaire nouveauté de sa manière et l’incroyable invention par laquelle il renouvela la peinture. Elle écrit ainsi le récit passionnant d’un commencement.Cimabue a ouvert la voie du naturalisme dans la peinture occidentale. Avec lui, les conventions de représentation héritées de l’art oriental, en particulier des icônes byzantines, si prisées jusqu’alors, cèdent la place à une peinture inventive, cherchant à suggérer un espace tridimensionnel, des corps en volumes et modelés par de subtils dégradés, des membres articulés, des gestes naturels et des émotions humaines. Il développe également une verve narrative que l’on pensait jusqu’à présent initiée par ses flamboyants successeurs, Giotto et Duccio.Nos connaissances sur Cenni di Pepe, dit Cimabue, sont très minces, comme le rappelle le prologue de l’exposition : on ignore jusqu’à la signification de son surnom et seuls quelques documents d’archive permettent d’identifier l’artiste et de donner de rares repères dans son parcours. C’est Dante, dans un passage de La Divine Comédie, qui forge le mythe au début du XIVe siècle : en établissant son importance, il est à l’origine de la fascination que le nom de Cimabue exercera des Médicis jusqu’à aujourd’hui.[...]

“Suzanne Valadon”au Centre Pompidou, Parisdu 15 janvier au 26 mai 2025Entretien avec Nathalie Ernoult, attachée de conservation au Musée national d’art moderne – Centre Pompidou, et co-commissaire de l’exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 13 janvier 2025, durée 23’59,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/01/20/3586_suzanne-valadon_centre-pompidou/Communiqué de presse Commissariat :Nathalie Ernoult, attachée de conservation au Musée national d’art moderne, Centre PompidouChiara Parisi, directrice du Centre Pompidou-MetzXavier Rey, directeur du Musée national d’art moderne, Centre PompidouLe Centre Pompidou consacre une monographie à Suzanne Valadon (1865-1938), artiste emblématique et audacieuse, l’une des plus importantes de sa génération. À la marge des courants dominants de son époque – le cubisme et l’art abstrait sont en germe alors qu’elle défend avec ardeur la nécessité de peindre le réel – elle place le nu, féminin comme masculin, au centre de son oeuvre, représentant les corps sans artifice ni voyeurisme.Suzanne Valadon n’a pas bénéficié de monographie, à Paris depuis celle que le Musée national d’art moderne lui avait consacré en 1967. Présenté au Centre Pompidou-Metz, en 2023 (« Suzanne Valadon. Un monde à soi »), puis au Musée des Beaux-arts de Nantes (2024) et au Museu Nacional d’Art de Catalunya (2024), l’hommage à cette artiste ostensiblement moderne et libérée des conventions de son temps, se poursuit donc au Centre Pompidou, en 2025 avec une version enrichie de nouveaux prêts et augmentée d’archives inédites.« J’ai dessiné follement pour que quand je n’aurais plus d’yeux j’en aie au bout des doigts » Suzanne ValadonCette exposition met en lumière cette figure exceptionnelle et souligne son rôle précurseur, souvent sous-estimé, dans la naissance de la modernité artistique. Elle révèle la grande liberté de cette artiste qui n’adhère véritablement à aucun courant, si ce n’est peut-être le sien. Le parcours de près de 200 oeuvres s’appuie sur la richesse des collections nationales notamment celle du Centre Pompidou, la plus importante, mais aussi du musée d’Orsay et de l’Orangerie. Des prêts exceptionnels du Metropolitan Museum of Modern Art de New York ou encore de la Fondation de l’Hermitage et d’importantes collections privées le complètent. Il se concentre sur les deux médiums de prédilection de l’artiste, le dessin et la peinture. Particulièrement mise à l’honneur ici, son oeuvre graphique fait l’objet d’une analyse approfondie, grâce à la présentation d’un grand nombre de dessins jusqu’alors rarement montrés. C’est également l’occasion d’explorer un moment artistique au coeur de la transition entre les collections du musée d’Orsay et de l’Orangerie et celles du Musée national d’art moderne.L’exposition « Valadon » retrace cet itinéraire unique, depuis ses débuts de modèle favorite du tout-Montmartre, jusqu’à sa reconnaissance artistique, intervenue très tôt, par ses pairs et la critique. Véritable « passeuse » d’un siècle à l’autre, Suzanne Valadon embrasse la ferveur parisienne du tournant-de-siècle, ses cafés, bals musettes et cabarets et ses multiples révolutions artistiques, intellectuelles et sociétales. Elle met en évidence le caractère résolument moderne de l’oeuvre de Valadon, première femme à peindre en grand format un nu masculin de face. Cette plongée inédite dans son oeuvre dévoile aussi bien ses relations amicales et artistiques avec les peintres de la bohème que son influence incontestable sur la scène artistique parisienne grâce au soutien actif de ses amis artistes et galeristes.[...]