MUBI Podcast: Encuentros

En este episodio, se habla de la literatura y el cine como maneras de fagocitar la vida y poner en escena la realidad. Isabel Coixet es una directora y guionista española, la más prolífica de su país actualmente. Su filmografía, desarrollada a lo largo de tres décadas y compuesta por casi una treintena de títulos, ha comprendido desde el comienzo distintos géneros cinematográficos, guiones propios y adaptaciones de numerosas novelas, así como lenguas y geografías muy diversas. Con frecuencia, complejos personajes femeninos ocupan el centro de sus historias y algunos han sido interpretados por reconocidas actrices como Patricia Clarkson, Juliette Binoche, Laia Costa y Alba Rohrwacher. Coixet ha rodado en países como Italia, Francia, Estados Unidos, Japón, Irlanda del Norte, Noruega y Bulgaria. Sus películas se han presentado en los festivales de Cannes, Berlín, Toronto, San Sebastián y Tokio, entre muchos otros, y hoy es la directora más galardonada en la historia de los Premios Goya. Su más reciente largometraje, Three Goodbyes, se estrenó en el Festival de Toronto. Por otro lado, Ariana Harwicz es una escritora argentina radicada en Francia hace dos décadas. Desde allí ha desarrollado una obra literaria que comenzó con la exitosa recepción de su primera novela Mátate amor, por la cual ha recibido grandes reconocimientos y nominaciones internacionales como el Premio Konex de Argentina en 2024, el Internationaler Literaturpreis de Alemania en 2019 y ser finalista del Man Booker International en 2018. Es autora de dos libros de ensayos y cinco novelas, tres de las cuales fueron reunidas por Anagrama en un mismo libro con el título Trilogía de la pasión. En ellas sobresalen protagonistas impredecibles, muchas veces insatisfechas con las normas sociales y de temperamento volátil, así como un lenguaje poético y visceral con el que ha abordado temas como la depresión postparto, la pedofilia y el incesto. Recientemente, su primera novela fue adaptada al cine por la directora escocesa Lynne Ramsay: Die, My Love es protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert Pattinson y se estrenó en la Competencia Oficial del Festival de Cannes 2025.Isabel y Ariana se reúnen aquí para cuestionar las formas en que públicamente se vincula a un autor con su obra y para hablar de la necesidad de sustraerse de la vida para crear.

En este episodio, se habla de un cine lleno de gestos y memorias personales: una relación plástica y experimental con la imagen y el sonido. Paula Gaitán es poeta, artista visual, fotógrafa y cineasta. Nació en París, pero su vida y su obra se han desarrollado principalmente entre Colombia y Brasil, país donde reside desde hace casi cincuenta años. Fue directora de arte de La edad de la Tierra, última película dirigida por Glauber Rocha antes de su muerte en 1981. En 1987 dirigió su primer largometraje, Uaka, y desde entonces como autora ha cultivado una filmografía que transita entre el documental, la ficción y el ensayo, y que hoy comprende más de una decena de títulos. Sus películas se han presentado en los festivales de Viena, Berlín, Tribeca, Lisboa y Curitiba, y en los últimos años el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, la Cinemateca de Bogotá, la Doc Alliance y el FICUNAM han organizado amplias retrospectivas de su trabajo.Por otro lado, Ximena Cuevas es una artista y montajista mexicana, pionera y principal referente del videoarte en su país. Parte de su videografía forma parte de las colecciones permanentes del MoMA de Nueva York y el Centro Pompidou de París. En su obra —de carácter performático, contestatario y profundamente personal— ha explorado las relaciones entre la ficción y la realidad, así como el consumo de imágenes mediáticas, televisivas y cinematográficas. Colaboró inicialmente con directores como Arturo Ripstein y John Houston, y más recientemente ha sido montajista de películas como Bellas de noche, de María José Cuevas, y Esto no es Berlín, de Hari Sama, estrenadas en los festivales de Toronto y Sundance, respectivamente. Paula y Ximena se reúnen aquí para hablar de sus herencias artísticas y de sus procesos creativos como una aproximación física y personal al material con que trabajan. 

En este episodio, se habla de dos posibilidades poéticas en la creación cinematográfica contemporánea: una mirada contemplativa y otra explosiva. Lisandro Alonso es una de las figuras más relevantes del llamado Nuevo Cine Argentino. Con una impronta naturalista que echa mano de recursos del lenguaje documental, su filmografía ha retratado de manera intimista paisajes rurales y urbanos, así como personajes con una presencia inquietante envueltos en atmósferas llenas de misterio.Todos sus largometrajes han sido seleccionados en diferentes apartados del Festival de Cannes. Su ópera prima, La libertad, se presentó en Una cierta mirada en 2001, y a esta misma sección regresó en 2014 con su quinto largometraje, Jauja, protagonizado por Viggo Mortensen y con el cual obtuvo el premio principal de esta competencia. En la Quincena de Cineastas presentó Los muertos, Fantasma y Liverpool, y más recientemente estrenó Eureka en la sección Cannes Premieres, un tríptico con tintes fantásticos en torno a distintas representaciones de las comunidades indígenas en el cinePor otro lado, Luis Ortega también es un director y guionista de Argentina, cuya filmografía se ha caracterizado por un decidido interés en retratar personajes al margen de las normas sociales y un estilo indócil, que lo han llevado a crear ficciones con imágenes y situaciones pesadillescas, fantásticas, absurdas y surrealistas. A la edad de 19 años dirigió su ópera prima Caja negra y desde entonces ha sido un prolífico director que ha presentado sus películas en escenarios como la Semana de la Crítica de Cannes, Locarno, Toronto y San Sebastián. En los últimos años, presentó con gran éxito El ángel como parte de la sección Una cierta mirada de Cannes y El jockey como parte de la Competencia Oficial de Venecia. Recientemente, estrenó el mediometraje Siempre es de noche, en la sección Tabakalera del Festival de San Sebastián. Lisandro y Luis se reúnen aquí para hablar del ruido que hoy perturba sus propios procesos creativos, pero también de las motivaciones que aún los siguen inspirando.

Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.Conversaciones profundas entre colegas, en un espacio donde se habla con total libertad.Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine.

En este episodio, se habla del cine como un ritual. Oliver Laxe es un director, guionista y actor español, nacido en París. En 2011, su ópera prima Todos vosotros sois capitanes se estrenó en la Quincena de Realizadores y desde entonces todos sus trabajos han sido estrenados y premiados en Cannes: Mimosas obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica, Lo que arde ganó el Premio del Jurado de la sección Una cierta mirada y, en la más reciente edición del festival, consiguió el Premio del Jurado de la competencia oficial por su cuarto largometraje, Sirāt.En su filmografía, rodada entre Galicia y Marruecos, ha explorado un carácter metafísico y espiritual del cine que invoca con frecuencia un vínculo sensible y profundo entre sus personajes y los elementos de la naturaleza que los rodean. En entrevista con la programadora italiana Eva Sangiorgi, Oliver habla de las experiencias musicales y vitales que inspiraron Sirāt, así como de su proceso de escritura con el guionista argentino Santiago Fillol.

En este episodio, se habla del puente que representan para Latinoamérica y Europa las cinematografías de Brasil y Portugal.Rui Poças es un director de fotografía portugués reconocido internacionalmente por su larga y estrecha colaboración con dos figuras esenciales del cine contemporáneo de su país: Miguel Gomes y João Pedro Rodrigues. Después de trabajar en sus óperas primas, La cara que mereces y El fantasma, Poças ha fotografiado películas como Aquel querido mes de agosto, Tabú, El ornitólogo, Fogo-fátuo y más recientemente Grand Tour, ganadora del Premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2024.  Asimismo, ha colaborado en obras recientes de importantes autores de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos como Zama, de Lucrecia Martel; As boãs maneiras, de Juliana Rojas y Marco Dutra; Frankie, de Ira Sachs, y O corno, de Jaione Camborda. Por otro lado, Rachel Daisy Ellis es una productora que nació en Inglaterra y migró a Brasil en 2004. Desde hace diez años ha cultivado una estrecha relación como productora y guionista con el director Gabriel Mascaro, con quien ha realizado los largometrajes Vientos de agosto, Boi neon y Divino amor, estrenados en festivales como Locarno, Venecia, Sundance, Toronto y Rotterdam. En los últimos años también ha coproducido otras importantes obras del cine latinoamericano como Noches de fuego, de Tatiana Huezo; Pornomelancolía, de Manuel Abramovich, y Rojo, de Benjamín Naishtat. En 2025 estrenó en la Berlinale O último azul, de Gabriel Mascaro, una fábula de ciencia ficción con la que obtuvieron el Gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado Ecuménico de la Competencia Oficial. 

En este episodio, se habla de las películas pequeñas como un espacio de libertad autoral y espontaneidad. Paz Fábrega es una directora y guionista de Costa Rica. Su reconocimiento internacional comenzó con su ópera prima Agua fría de mar, estrenada en 2010 en Rotterdam, con la que obtuvo el Tiger Award de la competencia oficial. Su filmografía se ha caracterizado por retratar los dilemas morales de personajes femeninos que se enfrentan con temas como la maternidad, la sexualidad y el amor fuera de cualquier convención. También dirigió los largometrajes Viaje y Aurora, ficciones seleccionadas en los festivales de Tribeca, San Sebastián, Karlovy Vary y Mar del Plata.Por otro lado, Julio Hernández Cordón es un director que nació en Estados Unidos y creció entre Guatemala, Costa Rica y México. A lo largo de más de quince años ha desarrollado en estos tres países una filmografía ecléctica compuesta por casi una decena de largometrajes y algunos cortometrajes. En sus trabajos ha explorado, a través del realismo y la fantasía, temas como la juventud, la violencia y la paternidad. Su ópera prima, Gasolina, obtuvo el premio Horizontes Latinos del festival de San Sebastián en 2008, y desde entonces ha presentado sus películas en escenarios como Locarno, Toronto, Rotterdam, FIDMarseille y la Quincena de Cineastas de Cannes. Algunas de sus películas son Las marimbas del infierno, Te prometo anarquía, Cómprame un revólver y El día es largo y oscuro. Paz y Julio se reúnen aquí para hablar de los procesos creativos de sus óperas primas y del particular vínculo de solidaridad y entendimiento que han buscado cultivar con los actores no profesionales de cada una de sus películas.

En este episodio, se habla del cine de terror como la expresión de profundos traumas sociales y una forma de liberación.Laura Casabé es una directora argentina cuyas películas han representado un importante hito para el cine de terror de su país. Ha dirigido los largometrajes La valija de Benavidez y Los que vuelven, presentados en escenarios como Rotterdam, SITGES, Guadalajara y Mar del Plata. En ellos ha creado universos en los que la violencia y el misterio son esenciales para la formulación de una crítica social. En 2025 estrenó su cuarto largometraje, La virgen de la tosquera. Con esta adaptación cinematográfica de algunos cuentos de la reconocida autora Mariana Enríquez, fue seleccionada en el festival de Sundance y obtuvo el Premio a Mejor Película de la Competencia Argentina de la más reciente edición del BAFICI.Por otro lado, María Fernanda Ampuero es una escritora y periodista de Ecuador. Su primer libro de cuentos, Pelea de gallos, la situó en 2018 como una de las voces más interesantes de la literatura latinoamericana contemporánea. A través de una narrativa visceral y rabiosa, Ampuero ha explorado temas como la violencia de género, la xenofobia y los conflictos familiares. También ha publicado los libros de crónicas Lo que aprendí en la peluquería y Permiso de residencia, y más recientemente los libros de cuentos y ensayos Sacrificios humanos y Visceral. Laura y María Fernanda se reúnen aquí para hablar de una larga tradición cinematográfica y literaria de terror de la que hoy se han apropiado las artistas latinoamericanas para hablar de sus experiencias más cotidianas.

En este episodio, se habla del cine como una práctica en la que el ser humano ha reproducido una forma problemática de relacionarse con el mundo. Ana Vaz es una académica, artista, cineasta y curadora de Brasil. Ha dirigido una decena de cortometrajes y un largometraje, que han sido exhibidos en festivales, cinematecas y centros de arte de ciudades como Berlín, Rotterdam, Tokio, Toronto, Londres, San Sebastián y São Paulo, entre otras. Vaz es fundadora del colectivo COYOTE, un grupo interdisciplinar que trabaja entre la ecología y la ciencia política a través de formatos conceptuales y experimentales. Su obra da cuenta de las consecuencias ecológicas, políticas y sociales que han provocado las diferentes formas del colonialismo en diversos territorios, poblaciones y formas de vida no humana. Su ópera prima, Es noche en América, obtuvo una Mención Especial en la sección Cineastas del Presente del Festival de Locarno. Por su parte, Jessica Sarah Rinland es una artista, cineasta y directora de fotografía argentina-británica. De su trabajo se han organizado retrospectivas en el Anthology Film Archives, Open City Documentary Film Festival, Curtocircuito y el Flaherty Film Seminar.  A través de una mirada fragmentaria y el uso de celuloide, la filmografía de Rinland ha explorado las relaciones del cine con la ciencia, la historia y la conservación. Sus dos largometrajes, A imagen y semejanza y Monólogo colectivo, se estrenaron en la sección Cineastas del presente del Festival de Locarno y luego fueron exhibidos en escenarios como Rotterdam, San Sebastián, FICUNAM, Jeonju, DOKLeipzig, Mar del Plata y el MoMA. Ana y Jessica se reúnen aquí para hablar de las ideas políticas y ecológicas que han guiado la filmación de sus más recientes películas y de la separación artificial entre cultura y naturaleza.  Este episodio de MUBI Encuentros fue realizado con público en el marco del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias-FICCI 2025, edición en la que se ofrecieron retrospectivas de estas dos cineastas. La grabación tuvo lugar en el Patio Central del Centro de Formación de la Cooperación Española en Cartagena, Colombia.